Un maridaje de imaginación

Es difícil imaginar cómo serían las obras más significativas del cine sin las bandas sonoras que las acompañan. ¿Habrían sido tan aclamadas? ¿Serían las obras notables y respetadas que se conocen? La respuesta corta es que probablemente no. El uso de la música en el cine puede ser primordial para el producto final y, en algunos casos, puede ser incluso más memorable que los aspectos visuales.

Texto original escrito en inglés en el blog de Bowers & Wilkins: https://www.bowerswilkins.com/en-us/blog/music/impact-of-music-in-film

A lo largo de los años, ha habido numerosas partituras que evocan una conexión emocional tan fuerte que se han convertido en iconos culturales. Pensemos, por ejemplo, en Tiburón , de Spielberg, la película que hizo que la gente tuviera pavor a meterse en el océano, o en cualquier masa de agua. Al imaginar a un tiburón deslizándose por las oscuras profundidades, el sonido que nos viene a la mente es ese ominoso “dun dun… dun dun…”. El “James Bond Theme” de John Barry es otro ejemplo clásico. Es un arreglo que puede hacer que cualquiera se sienta como un agente secreto, enfundado en un esmoquin con un arma oculta y un supercoche, sólo con oír ese trino orquestal.

En ocasiones, se encarga a un músico, cantante o compositor famoso la creación de la partitura de una película y, a veces, encabeza el papel del protagonista. La estética futurista y el estilo musical de Daft Punk eran perfectos para su participación en la película Tron: Legacy, al igual que la melancólica propuesta de Arcade Fire para la inventiva amorosa de Her. Además, Jailhouse Rock, protagonizada por Elvis Presley, vio cómo el Rey del Rock and Roll no sólo aparecía en la película, sino que grababa e interpretaba muchas de las principales piezas musicales del filme.

Pero no siempre tiene por qué ser una partitura hecha a medida. Imagina esa escena de Reservoir Dogs, de Quentin Tarantino, en la que suena “Stuck in the Middle with You” de Stealers Wheel; no entraremos en demasiados detalles al respecto, pero sí, es la escena de la oreja. Estas memorables indicaciones se extienden incluso a los programas de televisión, como Friends o Expediente X, por citar algunos. Sus bandas sonoras y partituras están arraigadas en nuestro subconsciente, y es casi imposible escuchar estas piezas musicales sin reconocer al instante su contribución al cine y a la cultura pop.

Pero, ¿qué es exactamente lo que conecta emocionalmente estas piezas musicales con el público y da como resultado una gran partitura cinematográfica? No cabe duda de que hay que tener en cuenta elementos nostálgicos, así como las constantes referencias culturales asociadas a los temas que encontramos a diario, por no mencionar nuestra repetida exposición a ellos y a sus compositores. Hay mucho que desentrañar. Así que, sin más dilación, ¡acción!

La importancia de la partitura

George Lucas dijo una vez que “el sonido es el 50% de la experiencia cinematográfica”. La música y el sonido siempre contribuyen a reforzar la conexión emocional que tenemos con un acontecimiento o una experiencia concretos y repercuten en cómo nos sentimos, así que es natural que esto cree una impresión duradera en el cine.

El papel de la música en el cine puede dar pistas al espectador sobre lo que está a punto de ocurrir, el estado de ánimo que debe suscitar una escena concreta o cómo se sienten el protagonista y el antagonista. Esto último contribuye sin duda a la inmersión del espectador y crea personajes con los que se puede empatizar, o despreciar. Dependiendo del tipo de película que se esté viendo, ya sea una de ciencia ficción con cuerdas afiladas que recuerdan a la partitura de Ennio Morricone para La Cosa; una epopeya histórica como Dunkerque con un siniestro estruendo de bajos que hace que uno se tense físicamente; o un clásico familiar de animación con progresiones de viaje como las que se encuentran en Spirited Away de Studio Ghibli, la ejecución de la partitura y el estado de ánimo que evoca pueden, en última instancia, mejorar o cambiar la forma en que se percibe una escena.

Después de todo, Ennio Morricone explica en su libro de 2019, Ennio Morricone: In His Own Words, que “la mayoría de las veces, la gente experimenta la música en una película como una sugerencia subconsciente… En otras palabras, la música consigue mostrar lo que no es visible, trabajar en contra del diálogo o, aún más, contar una historia que las imágenes no revelan”.

A contracorriente

Lo normal sería ver un misterioso theremín en una película de ciencia ficción o una sentimental canción de amor en una comedia romántica, pero, en ocasiones, cuando se hace correctamente, utilizar un sonido “anempático” en una película puede dar resultados excepcionales.

Quentin Tarantino es un gran defensor de esta idea: ¿recuerdas la escena de Reservoir Dogs antes mencionada? La secuencia final de Stanley Kubrick en Dr. Strangelove, en la que las bombas atómicas caen al ritmo de “We’ll Meet Again” de Vera Lynn, es otro ejemplo fantástico, así como la serenata de Louis Armstrong a la destrucción sin sentido en Good Morning, Vietnam con “What A Wonderful World”. Esta yuxtaposición es una herramienta poderosa y conmovedora difícil de ignorar y aún más difícil de olvidar.

Aunque la música puede estar ligada al género general de una película, como nuestras cuerdas de ciencia ficción o el uso oportuno de una tuba chiflada en una comedia, un

audio distintivo unido a un personaje o a un escenario puede tener un impacto igual de memorable. Un leitmotiv es una poderosa herramienta que empareja una frase melódica, una figura o un sonido con un personaje, una idea o un escenario y ayuda a establecer el tono. Como el reconocible tema de Tiburón, el tema de Darth Vader, “La Marcha Imperial” de John Williams, y el estruendo estremecedor del T-Rex en Parque Jurásico pueden infundir rápidamente miedo en el corazón del público y hacerle saber que las cosas están a punto de tomar un cariz oscuro. El miedo, aunque no es una emoción muy agradable, es poderosa. Las secuencias de miedo siempre nos persiguen.

Técnicas contrastadas

La música para el cine tiene muchas formas. Ya se trate de una partitura a medida grabada por una orquesta, de una obra compuesta electrónicamente por un productor o de una selección de canciones existentes que encajan con la estética de una escena, el director y el productor estudian cuidadosamente cada método para obtener el resultado más memorable y amplificar el aspecto emocional de la obra.

Gracias al trabajo de Steven Spielberg y George Lucas, junto al venerado compositor y colaborador durante muchos años John Williams (Tiburón, La lista de Schindler, En busca del arca perdida, Parque Jurásico), la partitura orquestal se ha convertido en una de las marcas más populares del blockbuster. La música clásica posee un amplio abanico de cualidades emotivas, que van desde los tonos suaves y sombríos hasta los clímax épicos y triunfantes. Este desencadenamiento de sentimientos hace de la partitura orquestal un método de probada eficacia para crear un cine convincente, y expone a las masas a más música clásica.

Empieza con una canción

A veces, la canción es lo primero. Baby Driver, la película de Edgar Wright, sigue a un conductor que se da a la fuga y realiza sus emocionantes escapadas al ritmo de una cuidada selección de temas clásicos. Incluso lleva el título de la canción homónima de Simon & Garfunkel. Los éxitos individuales de esta banda sonora proporcionan la base sobre la que se construyeron muchas de las escenas, sincronizando los elementos llenos de acción con himnos establecidos de diferentes décadas.

Esta forma de trabajar en la banda sonora de una película era nueva para Julian Slater, dos veces nominado a los Emmy, que dirigió el equipo musical detrás de la magia de la pantalla. En declaraciones a Digital Trends, explica: “La gente del mundo del sonido suele trabajar en código de tiempo, pero para esto tuvimos que cambiar y trabajar en compases y tiempos”. Este trabajo sin fisuras es el que ha hecho famosa a la película, convirtiéndola en uno de los mejores ejemplos multicapa de cine y sonido trabajando juntos. Utilizar canciones con conexiones emocionales existentes con el público, llevadas a la vida a través de escenas cuidadosamente diseñadas, fue una receta para el éxito.

Inventar instrumentos

En algunos casos, cuando compositores e ingenieros trabajan juntos para crear una partitura realmente innovadora, crean sus propios instrumentos para crear sonidos nuevos e ingeniosos que encajen con el fondo de la película. La oscarizada partitura de Hans Zimmer para Dune es un ejemplo fenomenal de ello. En una entrevista con Vanity Fair, Zimmer explica que nunca ha entendido por qué películas de ciencia ficción como La guerra de las galaxias, 2001: Odisea del espacio, Alien y otras utilizan elementos tan terrenales como las orquestas. “Se supone que estamos en un planeta diferente, en una cultura diferente. Se supone que estamos en el futuro”. Este instinto de crear algo que sonara tan de otro mundo llevó a Zimmer a “inventar instrumentos que no existen, inventar sonidos que no existen”.

Para ello, se inspiró en la voz humana, uno de los instrumentos más naturales y atemporales que, combinado con compresión, reverberación y otros efectos, podía crear un sonido orgánico y sobrenatural. Además, para emular el sonido del viento silbando a través de las dunas del desierto, recurrió a la experiencia del flautista Pedro Eustache, quien, combinando una flauta de contrabajo con el antiguo instrumento armenio de viento madera, el duduk, fue capaz de crear nuevos sonidos inauditos. El resultado fue una partitura impactante que encajaba perfectamente con la naturaleza mítica de la película.

Recuerdos duraderos

La música se elabora a partir de la emoción, y por eso conecta con el oyente a nivel personal. Es este sentimiento el que penetra en el mundo del cine, y cuando los efectos visuales se combinan con la música, ayudan a establecer una conexión más fuerte con la experiencia. En un mundo constantemente conectado, es difícil evitar estos motivos musicales cuando su estatus cultural es tan rico. Nos ayudan a revivir esos preciados recuerdos de la primera vez que nos enamoramos de una película y pueden desencadenar la sensación de sentirnos totalmente atrapados por ella.

Ya sean matices sutiles que aluden a las acciones de nuestro héroe o heroína, técnicas utilizadas para presagiar algo misterioso o hacernos sentir que vivimos indirectamente a través de los personajes, la partitura de una película siempre ofrecerá una experiencia visceral y cargada de emociones.

Creemos firmemente que cuanto mejor sea la calidad del sonido, más emoción sentirá al sumergirse en una gran película. Como apasionados de la música de cine, es gratificante formar parte de la creación de tantas, especialmente de algunas de nuestras favoritas. Con los altavoces Diamond de la serie 800 de Bowers & Wilkins en los estudios de grabación más respetados del mundo, como los Abbey Road Studios, estamos ahí para grabar, monitorizar y realizar la ingeniería de innumerables partituras revolucionarias y ayudar a canalizar estas emociones a las masas.

Bowers & Wilkins es una marca que orgullosamente ofrecemos en BUGAVI, la tienda para los entusiastas del audio en México. Visita www.bugavi.com